SEARCHLIGHT PICTURES E INDIAN PAINTBRUSH
Presenta
AMERICAN EMPIRICAL PICTURE
di
WES ANDERSON
THE FRENCH DISPATCH
CON
Benicio Del Toro, Adrien Brody, Tilda Swinton, Léa Seydoux, Frances McDormand, Timothée Chalamet, Lyna Khoudri, Jeffrey Wright, Mathieu Amalric, Stephen Park,
Bill Murray, Owen Wilson, Christoph Waltz,
Edward Norton, Jason Schwartzman, Anjelica Huston
The French Dispatch arriva nei cinema il 22 ottobre 2021
Selezione ufficiale 74° Festival di Cannes
Selezione ufficiale 59° Festival del cinema di New York
Dalla mente visionaria del candidato all’Oscar® Wes Anderson, THE FRENCH DISPATCH dà vita a una raccolta di storie tratte dall’ultimo numero di una rivista americana pubblicata in una città francese immaginaria del XX secolo.
In occasione della morte del suo amato editore nato in Kansas Arthur Howitzer, Jr., lo staff di The French Dispatch, rivista americana a larga diffusione con sede nella città francese di Ennui-sur-Blasé, si riunisce per scrivere il suo necrologio. I ricordi di Howitzer confluiscono nella creazione di quattro storie: un diario di viaggio delle sezioni più squallide della città stessa da ”The Cycling Reporter”; “The Concrete Masterpiece”, su un pittore pazzo criminale, la sua guardia e musa ispiratrice e i suoi famelici mercanti; “Revisions to a Manifesto,” una cronaca di amore e morte sulle barricate al culmine della rivolta studentesca; e “The Private Dining Room of the Police Commissioner,” una storia piena di suspense di droga, rapimento e buona tavola.
Il team creativo comprende i produttori Wes Anderson, Steven Rales e Jeremy Dawson, i produttori esecutivi Roman Coppola, Henning Molfenter, Christoph Fisser e Charlie Woebcken, la co-produttrice Octavia Peissel, il direttore della fotografia Robert Yeoman A.S.C., lo scenografo Adam Stockhausen, la costumista Milena Canonero, il montatore Andrew Weisblum, il compositore Alexandre Desplat e il supervisore musicale Randall Poster.
THE MAGAZINE
Articolo: Arthur Howitzer, Jr. (Bill Murray), il venerato fondatore ed editore di The French Dispatch of the Liberty, Kansas Evening Sun, è stato trovato morto per un apparente attacco di cuore nei suoi uffici situati nel Printer’s District, Ennui-sur- Blasé, Francia.
Il suo personale selezionato, tra cui il fumettista (Jason Schwartzman), l’editor di storie (Fisher Stevens), il consulente legale (Griffin Dunne), il redattore di testi (Elisabeth Moss), il correttore di bozze (Anjelica Bette Fellini) e un allegro scrittore Wally Wolodarsky – che ha perseguitato per anni gli uffici del Dispatch francese ma non ha mai scritto una sola parola – si riunisce sul corpo per collaborare a un necrologio. Sono guidati dagli amati scrittori di Howitzer, che ha coccolato e incoraggiato, vestito e costruito, guadagnandosi la loro devozione e il loro amore:
C’è Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), l’intrepido Cycling Reporter, attratto dagli aspetti più inquietanti e sgradevoli delle città remote che visita… J.K.L. Berensen (Tilda Swinton), la critica e cronista in rapporti intimi con ogni parte del mondo dell’arte moderna…Lucinda Krementz (Frances McDormand), la saggista solitaria che custodisce la sua integrità giornalistica tanto quanto le sue passioni private… e Roebuck Wright (Jeffrey ), il solitario erudito espatriato con una memoria tipografica, scoperto e salvato da Howitzer in circostanze umilianti.
Nelle pagine di The French Dispatch,
possiamo leggere quanto segue:
Il tour di Sazerac attraverso la stessa Ennui-sur-Blasé, una vecchia città su una collina con le sue antiche torri della cattedrale, le sue stradine acciottolate che si snodano tra file di vecchie strutture in pietra, il suo fascino e il suo degrado, con la sua vita notturna e la sua vita bassa, dove tutti epoche sembrano dissolversi nell’essenza senza tempo della Francia, scorrendo come le acque del vicino fiume Blasé.
“The Concrete Masterpiece” di Berenson, in cui l’opera del pittore criminale Moses Rosenthaler (Benicio del Toro e Tony Revolori da giovane) viene scoperta, promossa spietatamente e venduta a prezzi sempre più astronomici dal mercante d’arte Julian Cadazio (Adrien Brody) e i suoi zii (Bob Balaban e Henry Winkler)… e il cui capolavoro, atteso da anni e senza fiato, ispirato dalla sua guardia carceraria e musa Simone (Léa Seydoux), viene svelato in pompa magna a un impaziente mondo dell’arte, tra cui famoso collezionista d’arte del Kansas e probabile acquirente Upshur “Maw” Clampette (Lois Smith).
Le “Revisions to a Manifesto” di Krementz, un resoconto di prima mano delle lamentele e delle passioni, politiche e sessuali, che spingono i giovani romanticamente disincantati di Ennui ad andare in guerra con i loro padroni adulti e ad avviare un tumultuoso sciopero generale che porta alla chiusura dell’intero Paese. L’eroe e l’eroina carismatici di Krementz sono i leader sfortunati del movimento, il sognatore Zeffirelli (Timothée Chalamet) e la testarda Juliette (Lyna Khoudri).
“The Private Dining Room of the Police Commissioner” di Roebuck-Wright è un ritratto del leggendario chef Nescaffier (Stephen Park)—che serve per il piacere del commissario di Ennui-sur-Blasé (Mathieu Amalric)—che esplode inaspettatamente in una storia di suspense pungente e ticchettante quando un gruppo di teppisti guidati da “The Chauffeur” (Edward Norton) rapisce l’amata del Commissario. Figlio e protettore della criminalità Gigi (Winsen Ait Hellal) e minacciano di ucciderlo a meno che il contabile (Willem Dafoe) recentemente arrestato dalle organizzazioni criminali locali non venga rilasciato dal carcere.
Quattro storie sorprendenti, complesse, immacolate, riccamente dettagliate, inaspettatamente divertenti e ancora più inaspettatamente commoventi raccolte nelle pagine di una rivista realizzata con amore: The French Dispatch of the Liberty, Kansas Evening Sun.
Tutto ebbe inizio durante l’appello
THE FRENCH DISPATCH è molte cose: una quantità di storie all’interno di storie all’interno di ricordi all’interno di strutture che convergono in un insieme organico, un gabinetto di meraviglie cinematografiche di tutte le forme e dimensioni in costante movimento dinamico, una lettera d’amore alla parola stampata in generale e The New Yorker Magazine in particolare, alla Francia e al cinema francese… una commovente meditazione sul vivere lontano da casa. E non è mai solo uno di quegli elementi alla volta, ma di solito tutto in una volta. Meglio dire: un film di Wes Anderson.
Tilda Swinton descrive il film in modo conciso: “È la lettera d’amore francese di Wes all’internazionalismo, alla cultura e all’arte benedetta del giornalismo indipendente“.
Dice Anderson: “Ricordo di aver letto un’intervista con Tom Stoppard in cui qualcuno gli ha chiesto da dove venisse una delle sue opere teatrali e lui ha detto che sono sempre due diversi inizi di un’idea per qualcosa che mette insieme e che diventa il prossimo gioco. È esattamente quello che mi succede ogni volta. Quindi questo film è in realtà tre cose: una raccolta di racconti, qualcosa che ho sempre voluto fare; un film ispirato al The New Yorker e al tipo di scrittori per cui sono famosi; e ho passato molto tempo in Francia nel corso degli anni e ho sempre voluto fare un film francese, e un film che fosse legato al cinema francese“.
Per Anderson, The New Yorker è stato un punto di riferimento sin dal liceo. “Quando ero in terza media, la mia stanza a Houston era in biblioteca, e di fronte a me c’erano questi scaffali di legno di riviste. Ce n’era uno con l’illustrazione sulla copertina e ho iniziato a guardarlo. Sono diventato un lettore abituale del New Yorker nella mia stanza di casa in attesa dell’inizio della scuola. Ho iniziato a leggere i numeri arretrati e a raccogliere i nomi degli scrittori che apparivano più e più volte. Quindi, mi sono davvero appassionato.”
“Quando stavamo insieme al college”, dice Owen Wilson, “leggeva continuamente The New Yorker, il che era piuttosto insolito. Non ricordo se avesse un abbonamento, che avrebbe potuto essere fuori portata finanziariamente, ma era profondamente coinvolto. Che regalo premuroso per tutti quegli scrittori.”
“Riguarda il tipo di articolo di rivista che leggeresti che ti porterebbe da qualche parte, prima di Google e del live streaming“, afferma il produttore Jeremy Dawson, “e ti darebbe davvero un senso del luogo: gli odori, il gusto e il carattere – attraverso le parole di qualcuno con questa capacità di evocare immagini nella tua mente.”
“È un film che celebra la parola scritta in un modo che è salutare per il nostro Paese ora“, afferma Jeffrey Wright, “quando abbiamo perso l’apprezzamento per il linguaggio e per l’intelligenza espressa attraverso il linguaggio“.
“In questo film, la relazione con la parola scritta si presenta in molti livelli diversi“, aggiunge Anderson. “C’è quello che vedi sullo schermo, ci sono i sottotitoli, c’è la trama della rivista, e c’è il valore del rapporto con gli scrittori e con un tipo di scrittura che le persone sentono che ora si sta perdendo. L’eroe di ogni storia è uno scrittore“.
“Penso che sia difficile rendere avvincente il processo creativo, renderlo vivo“, afferma Wilson, “ma è quello che fa in questo film“.
La storia d’amore del regista con il cinema francese è iniziata quando era giovane. “Il cinema francese inizia quando inizia il cinema, con i fratelli Lumière e Georges Méliès. Amo i registi degli anni Trenta, Julien Duvivier, i racconti marsigliesi di Marcel Pagnol, i film di Jean Grémillon, a cui sono arrivato più di recente. E poi Jacques Tati, Jean-Pierre Melville e i registi della New Wave: Truffaut, Louis Malle, Godard. E forse al centro di tutto c’è Jean Renoir». Per il personaggio di Rosenthaler, un film in particolare di Renoir è stato d’ispirazione. “Abbiamo menzionato un film francese chiamato Boudu salvato dall’annegamento”, afferma Benicio del Toro,” un film degli anni ’30 con uno dei più grandi attori di tutti i tempi, Michel Simon, nei panni di un vagabondo. L’avevo visto molto tempo fa ed è un film fantastico, e rivederlo mi ha dato un’idea di cosa avesse in mente per il personaggio.”
Negli ultimi anni, lo stesso Anderson ha vissuto in Francia, e THE FRENCH DISPATCH è anche una lettera d’amore al suo Paese adottivo e allo stesso tempo una riflessione artistica da parte di un estraneo che lo osserva. “Il film nasce dal sua amore per il cinema, la letteratura e la cultura francese e le sue esperienze in Francia negli ultimi dieci anni o più“, afferma il suo montatore di lunga data Andrew Weisblum, “e penso che sia ciò che voleva fare riferimento e condividere in questo film“.
“Questo film è composto da visioni della Francia”, afferma il compositore di origine francese Alexandre Desplat, “che sono state un po’ contorte perché sono passate attraverso il cervello di Wes. Quindi, puoi dire che è la Francia, ma è una Francia poetica, con molti dettagli e riferimenti che a volte non sono veri, ma sembrano veri. È la vera Francia? No, ma in qualche modo è francese“.
Assemblare il numero della rivista
Per Anderson, il processo di realizzazione del film è organico al 100% dall’inizio alla fine. Che inizia con la scrittura. “È una vera avventura lavorare su queste cose“, afferma il collaboratore di lunga data Jason Schwartzman, che ha co-scritto la storia con Anderson e Roman Coppola e interpreta il ruolo del fumettista della rivista. “Le storie sono in qualche modo inventate in tempo reale. Non c’è un grande schema o qualcosa che stai compilando. Stai letteralmente creando ogni momento mentre ci arrivi. È un po’ come costruire un ponte mentre sei sul ponte, ed è questo che è davvero eccitante. Quando ti svegli la mattina non hai davvero idea di cosa potrebbe succedere alla storia, ai personaggi, ed è un posto così eccitante dove stare. È una forma libera ma concentrata, e Wes è il capitano della nave“.
Il nome ufficiale della rivista ispirata al New Yorker è “The French Dispatch of the Liberty, Kansas Evening Sun“, una pubblicazione ispirata alla storia del New Yorker e alle origini di due delle persone che lo hanno reso ciò che è: Harold Ross, il co-fondatore della rivista, e William Shawn, il suo successore, entrambi ispiratori del personaggio di Bill Murray ed entrambi nati nel Midwest. “Il Kansas mi sembra il posto più americano d’America”, afferma Anderson. “Voglio dire davvero, alla fine, The French Dispatch non sta pubblicando per la gente del Kansas, sta pubblicando per l’America.”
Il personaggio di Owen Wilson, Herbsaint Sazerac, che accompagna i suoi lettori in un tour di Ennui-sur-Blasé, una città immaginaria che sembra incarnare il cuore poetico della stessa Francia, è nello spirito di scrittori come Joseph Mitchell, i cui pezzi sono stati raccolti nel libro Up in the Old Hotel e Luc Sante, il cui The Other Paris è uno dei preferiti di Anderson.
La prima storia estesa, “The Concrete Masterpiece“, è inquadrata all’interno di una conferenza tenuta in un centro artistico del Kansas dallo scrittore della storia, J.K.L. Berenson (Tilda Swinton), ispirato dalla docente e scrittrice Rosamond Bernier. “Molti anni fa, ho scritto una sceneggiatura su un pittore, è qualcosa da cui sono sempre stato attratto, e parte di questo deriva da quello. I pezzi del New Yorker che sono diventati S.N. Il grande libro di Behrman Duveen, sul collezionista d’arte Joseph Duveen, era centrale. Abbiamo alcuni aspetti del film di Emile de Antonio, Painters Painting. E poi c’è la sezione Scorsese di New York Stories, “Lezioni di vita”, che ha una grande influenza anche su questa cosa“.
Anderson ha anche avuto la possibilità di soddisfare un desiderio di lunga data di lavorare con Benicio del Toro, che interpreta il ruolo dell’artista incarcerato Moses Rosenthaler (interpretato da giovane da Tony Revolori del GRAND BUDAPEST HOTEL), e di riunirsi con l’attrice francese Léa Seydoux che interpreta la musa di Rosenthaler (Dawson: “Abbiamo usato Philippe Decoufflé, un noto coreografo francese, per aiutarci a capire alcune di queste pose pazze che Léa fa nei panni di Simone”), oltre agli habitué di Anderson Adrien Brody nei panni di Julien Cadazio, il mercante d’arte ispirato da Duveen, e Bob Balaban e Henry Winkler, un nuovo arrivato nel mondo di Anderson, come i suoi zii. Il magnum opus di Rosenthaler, una serie di affreschi astratti dipinti sulle pareti della prigione, è stato realizzato dall’artista Sandro Kopp, compagno di vita di Tilda Swinton.
“Realizzare i dipinti di Rosenthaler è stata la cosa più impegnativa e anche più soddisfacente che abbia mai fatto nella mia vita“, afferma Kopp. “Sono arrivato ad Angouleme sapendo che avevo due mesi e mezzo per creare dieci enormi dipinti che dovevano sembrare che un genio ci avesse lavorato per tre anni”. Anderson: “I dipinti non sono realmente capiti da molti dei personaggi…non so nemmeno cosa significhi capirli. Ma volevo che fossero davvero buoni: quando li vedi, ti afferrano. Puoi proiettare su di loro quello che vuoi.”
“È divertente“, afferma lo scenografo Adam Stockhausen, “perché c’era un enorme punto della storia su come i dipinti fossero permanentemente attaccati all’edificio, quando in realtà stavamo cercando disperatamente di far restare quei dipinti sui muri: la pittura era davvero pesante, è stata una lotta per ottenere che le cose si curassero correttamente, e minacciavano in ogni momento di saltare fuori.”
“In alcuni punti la trama dei dipinti è spessa più di un pollice“, aggiunge Kopp, “quindi ho dovuto lavorarci orizzontalmente per la maggior parte del tempo per evitare che la vernice bagnata scivolasse via. Ho avuto una finestra temporale di circa 30 minuti per lavorare ogni strato prima che i segni iniziassero ad asciugarsi e le sottigliezze della superficie iniziassero a essere compromesse. La maggior parte del lavoro si è concentrata sulla trama, con il colore che diventa la preoccupazione principale solo alla fine. Le aree arancioni sono arrivate per ultime e sono state dipinte di bianco e poi ricoperte con uno speciale smalto arancione per creare il colore più luminoso”.
Per creare gli straordinari passaggi di natura morta della storia, Anderson ha effettivamente chiesto agli attori di congelarsi sul posto. “È un gioco che faccio con mia figlia“, dice del Toro, “è probabilmente una delle prime cose che ricordo di aver giocato da bambino, e all’improvviso… lo stiamo facendo, tutti gli attori da Tilda Swinton a Henry Winkler, tutti queste leggende, tutte al gioco. Ed è contagioso. È davvero bello vedere gli attori tornare alla loro infanzia e interpretare Simon, dice. C’è qualcosa di molto liberatorio in questo. E mi sembrava che si fosse aggiunto al film in un altro modo. Wes avrebbe potuto congelare l’azione digitalmente, ma c’è qualcosa nel congelamento degli attori che lo rende… puoi sentirlo, puoi toccarlo e il pubblico può sentire la gioia che c’è dietro“.
“Revisions to a Manifesto” è la versione rifratta di Anderson di uno degli eventi centrali nella storia francese del XX secolo, gli eventi del maggio ’68, quando le proteste studentesche portarono a un massiccio movimento che chiuse l’intero Paese. La trama è vagamente ispirata alla richiesta di libertà sessuale del leader studentesco Daniel Cohn-Bendit all’università francese di Nanterre, ma per Wes inizia davvero “a meno di un isolato dal nostro appartamento a Parigi, vicino a Montparnasse dove viveva Mavis Gallant“. riferendosi alla scrittrice canadese che ha ispirato il personaggio di Frances McDormand, Lucinda Krementz. “Nel corso degli anni aveva così tanti grandi pezzi e racconti che sono stati pubblicati sul New Yorker, spesso ambientati a Parigi. E ha scritto dei fatti del maggio ’68 dal punto di vista del nostro quartiere. Era lì per tutto questo e teneva un diario, e scriveva giorno per giorno esattamente quello che stava succedendo. La nostra storia vuole davvero essere una sorta di omaggio a lei”.
“Wes ha inviato tutti questi riferimenti“, dice Timothée Chalamet, che interpreta Zeffirelli, il leader del movimento studentesco. “Riviste, foto, riferimenti cinematografici: I 400 colpi di Truffaut, film di Jean-Luc Godard.” Ispirato ai film della New Wave francese, lo stile visivo della storia ricorda film di Godard come “Masculine Feminine” e “La Chinoise”. Anche una cover del successo di Christophe del 1965 “Aline” che suona sul jukebox del Cafe Le Sans Blague evoca il periodo di tempo con deliziosa specificità.
Anderson ricorda: “Sono andato a una festa a Parigi circa 20 anni fa in un vecchio nightclub chiamato Castel. Ero seduto accanto a un ometto, pensai, leggermente simile a un uccello con la barba bianca. Indossava occhiali da sole blu. Non parlava molto inglese e io non parlavo molto francese. Ma abbiamo condiviso una conversazione sfocata e caldamente astratta durante la cena, e poi qualcuno è apparso alle sue spalle e gli ha sussurrato qualcosa, e si è avvicinato a una tastiera Yamaha, l’ha accesa e ha iniziato a suonare una canzone, e al coro l’intero nightclub esplose all’unisono cantando con lui — e mi resi conto che quell’uomo gentile e simile a un uccello era una leggendaria icona pop francese. La canzone era “Aline”, e Christophe è morto dopo che abbiamo realizzato il nostro film, ma prima che potessimo pubblicarlo. Il duetto tra lui e Jarvis Cocker non doveva essere. Il nostro personaggio di Tip-Top è un omaggio a lui, a Jacques Dutronc, a Francoise Hardy e a Serge Gainsbourg e a una generazione di indimenticabili star della musica francese diverse da quelle di qualsiasi altra nazione”.
Anderson utilizza anche una struttura di storie all’interno di storie simile alle Mille e una notte, attraverso un’opera teatrale basata sulle memorie di un giovane che si radicalizza e abbandona l’esercito. Sebbene sia ambientato negli anni ’60, è impossibile non vedere somiglianze con altre proteste nel corso della storia e in particolare quelle che accadono oggi, guidate in gran parte dai giovani della nazione. Anderson giustappone le prospettive di vecchi e giovani attraverso i personaggi di Juliette e Lucinda mentre discutono sul ruolo di Zeffirelli nella “Chess Board Revolution”, mentre Lucinda fa del suo meglio per mantenere la neutralità giornalistica.
La terza e forse più densa sezione, “The Private Dining Room of the Police Commissioner”, è inquadrata nella recitazione della storia del suo autore Roebuck Wright (Jeffrey Wright) in un talk show in stile Dick Cavett/David Susskind condotto da Liev Schreiber. Anderson: “La parte di Jeffrey è un po’ James Baldwin, un po’ A.J. Liebling, un po’ di Tennessee Williams nel modo in cui parla e un misto di tutti e tre nel modo in cui scrive. C’è una storia o un saggio di Baldwin – un ricordo, in realtà – chiamato “Equal in Paris”, che parla di lui che viene arrestato e gettato in prigione per diversi giorni per qualcosa che non ha fatto: rubare lenzuola in un hotel. È un pezzo meraviglioso e mi ha fatto iniziare a pensare ed è servito come ispirazione per questa storia, che è mescolata con il cibo, una specialità di Liebling. La storia vera e propria, su un brillante commissario di polizia (Anderson alumnus Mathieu Amalric) e il suo famoso chef personale (Stephen Park), che prende una svolta inaspettata quando il figlio del commissario Gigi (Winsen Ait Hellal) viene rapito, porta con sé forti connotazioni di drammi criminali francesi degli anni ’30, ’40 e ’50. In un momento cruciale la storia si sposta su un’animazione che ricorda i fumetti francesi. “Angoulême, dove abbiamo girato il film, è la capitale del fumetti e puoi vederlo in tutta la città”, afferma Anderson. Aggiunge Dawson: “Il festival annuale del fumetto, o ‘Bande-dessiné’, prende letteralmente il controllo di questa città di trentamila persone, invasa da diverse centinaia di migliaia di persone in più per una settimana. Quindi, abbiamo dovuto costruire il nostro programma di riprese in base alle vacanze per quella settimana e poi al ritorno”.
“C’è una sorta di omaggio ai fumetti in ogni isolato“, aggiunge Anderson, “ci sono letteralmente statue di personaggi dei fumetti, e ci sono scuole e studi di animazione. La sequenza è stata tutta animata ad Angoulême da persone che hanno vissuto e studiato lì. In effetti, alcune delle persone che hanno lavorato all’animazione erano comparse nel film“.
Illustrazioni e layout
Nel corso degli anni, i film di Wes Anderson sono diventati sempre più complessi, più eccitanti e vari e vivi nella ricchezza di dettagli visivi e narrativi racchiusi in ogni fotogramma. In THE FRENCH DISPATCH, le immagini potrebbero passare improvvisamente dal bianco e nero al colore o dal widescreen all’Academy ratio, i sottotitoli potrebbero arrivare in qualsiasi angolo dell’inquadratura e il registro emotivo può cambiare di un centesimo dalla commedia al lirismo fino al desiderio più profondo. “Penso che l’evoluzione di Wes come artista sia stata interessante perché con ogni film, continua a spingere se stesso“, afferma Dawson. “Questo è il suo decimo film ed è più ricco e complesso e più di un arazzo o di qualsiasi cosa abbia mai fatto.
Capisce davvero come tutti questi pezzi si inseriscono in un insieme, e penso che sia ciò che è stato in grado di perfezionare nel corso degli anni. C’è una maturità nel lavoro ora in cui è in grado di dire così tante cose contemporaneamente“.
Quando Anderson ha realizzato il suo primo film d’animazione, FANTASTIC MR. FOX, ha usato per la prima volta gli animatic, o storyboard animati, e da allora è diventato parte del suo processo creativo. “Penso che i film siano diventati più esplicitamente grafici nello stile“, afferma Weisblum, “e penso che ciò sia in parte dovuto all’animazione. Per Wes, è un modo per organizzare in modo creativo ciò che le scene devono fare e come. È uno strumento creativo ed è anche uno strumento organizzativo estremamente efficiente. Quando abbiamo realizzato ISLE OF DOGS, il processo animatic era diventato una seconda natura, ed è arrivato a THE FRENCH DISPATCH.”
Dice Dawson: “L’animazione ha permesso a Wes di pensare alle sue inquadrature e ai suoi movimenti di macchina da presa e tutto in modo molto specifico, gli permette di pre-visualizzare e creare esattamente il film che desidera. Ha anche avuto molta esperienza con le miniature nei film d’animazione, quindi si sono insinuate sempre di più anche nei film live-action“.
“Con l’animazione“, afferma Randall Poster, “Wes ha un livello completamente nuovo di precisione e controllo di ogni elemento di ciò che entra nell’inquadratura. Non c’è nulla che sfugga alla sua attenzione e non c’è nessun dettaglio abbastanza piccolo da trascurare“.
“Il modo in cui inquadra i suoi film, sono come dei diorami viventi“, afferma Wright. “E per certi versi, in questo film sembrano le pagine di una rivista. Ma ci sono così tanti dettagli vividi all’interno del fotogramma e c’è così tanta attenzione non solo al linguaggio e alle parole, ma anche alla specificità della composizione che ogni fotogramma è di per sé una storia all’interno della storia“.
“Quando ho letto la sceneggiatura di THE FRENCH DISPATCH”, ricorda Weisblum, “mi è stato chiaro nelle prime trenta pagine che ogni frase era un set completamente nuovo. È venuto direttamente dall’animazione, dove ogni inquadratura è davvero il suo set e c’è un’attenzione costante ai dettagli visivi microscopici. Ovviamente gli ho parlato immediatamente e gli ho detto: ‘Come lo facciamo?’”
“Penso che ci fossero qualcosa come centotrenta set diversi in questo film, più set e allestimenti unici che in qualsiasi altro film che abbia mai fatto“, dice Dawson. “Ognuno aveva il suo aspetto unico, e l’unico modo per renderlo economico era quello di mantenere le cose molto vicine l’una all’altra, riutilizzare le cose dove si poteva ed essere intelligenti al riguardo… e avere solo un team di scenografi follemente talentuoso guidato da Adam Stockhausen e il suo fantastico equipaggio francese, tutti questi artigiani e pittori di insegne e pittori di sfondo dell’opera, hanno fatto un lavoro straordinario.”
“Voglio dire, è iniziato con un notevole panico“, ricorda Stockhausen, ridendo, “e una realizzazione che sì, è esattamente quello che sarebbe stato: ogni ripresa significava un nuovo set. E poi è stato solo un processo di immersione. Abbiamo fatto il processo animato, poi abbiamo elaborato i bisogni fisici di base dei diversi pezzi della storia, poi il processo di scouting. E ora, quando Wes si è bloccato e ha detto: “Ok, questo è il posto per questa o quella scena”, allora tutte queste cose hanno iniziato a combaciare. E poi, anche se ogni inquadratura significava un set diverso per enormi parti del film, era tutto nel contesto di questo unico luogo che è diventato una tavolozza per la storia“.
Come tutti i precedenti lavori di Anderson (ad eccezione dei suoi film d’animazione), THE FRENCH DISPATCH è stato girato su pellicola. “Non solo preferisce l’aspetto del film“, afferma Yeoman, “penso che gli piaccia il processo di ripresa in pellicola rispetto al digitale. Inizialmente, avevamo programmato di girare la maggior parte di THE FRENCH DISPATCH a colori. Durante la preparazione abbiamo girato i test e siamo rimasti tutti attratti dall’aspetto del supporto in bianco e nero: la grana, il contrasto e la sensazione generale erano davvero sorprendenti e Wes ha deciso di usarlo più di quanto originariamente previsto. Quindi, molto spesso, abbiamo usato il colore per dare enfasi. Ad esempio, quando Rosenthaler rivela i suoi dipinti per la prima volta, siamo passati sia alla pellicola a colori che a una lente anamorfica per dare allo scatto un impatto molto più forte“.
“Ero incuriosito ed emozionato da questo progetto“, afferma Canonero, “perché sarebbe stato un misto di colore e bianco e nero, il che significava che dovevamo pensare molto attentamente ai colori e alle trame dei costumi, poiché così come i capelli e il trucco. Ho studiato i film in bianco e nero e ho letto come creavano determinati effetti in bianco e nero con determinati colori“.
“Ciò che lo rende così diverso come regista”, dice Revolori, “è che gira queste cose incredibili che sembrano quasi un film studentesco: in un certo senso ce l’ha ancora. È come, ‘Come potremmo girare questo in un modo fantasioso, interessante e divertente nel modo più economico possibile?’ Il che è davvero interessante e molto bello di cui far parte.”
“A un certo punto, ho deciso che avrei fatto quello che volevo“, dice Anderson, “e che se avessi voluto fare una sequenza in bianco e nero widescreen a mano libera, allora era quello che avremmo fatto . Possiamo fare questa parte solo come un cartone animato? Sì, possiamo, quindi penso che lo faremo. Quando ho iniziato a fare film, era sempre: “Possiamo farlo?” Mi sento come se non mi prendessi nemmeno più la briga di dirlo. Ma ovviamente, tutto deve fondersi e unirsi, ed è per questo che è importante avere una squadra così grande, guidata da Adam Stockhausen, Milena Canonero (costume designer), Bob Yeoman (DP), Sanjay Sami (key grip e Steadicam operatore, Alexandre Desplat (compositore).”
Nel cast Benicio del Toro (SICARIO, TRAFFIC), Adrien Brody (THE PIANIST, THE GRAND BUDAPEST HOTEL), Tilda Swinton (THE GRAND BUDAPEST HOTEL, ISLE OF DOGS), Léa Seydoux (SPECTRE, OH MERCY!), Frances McDormand (THREE BILLBOARDS FUORI EBBING, MISSOURI, FARGO), Timothée Chalamet (LADY BIRD, CALL ME BY YOUR NAME, DUNE), Lyna Khoudri (Savages, THE SPECIALS, PAPICHA), Jeffrey Wright (Westworld, THE HUNGER GAMES), Mathieu Amalric (THE GRAND BUDAPEST HOTEL, SOUND OF METAL), Stephen Park (FARGO, The Mindy Project), Bill Murray (ISLE OF DOGS, LOST IN TRANSLATION) e Owen Wilson (FATHER FIGURES, MARLEY AND ME).
Searchlight Pictures e Indian Paintbrush presentano un film American Empirical Picture, THE FRENCH DISPATCH, diretto da Wes Anderson, sceneggiatura di Wes Anderson da una storia di Anderson & Roman Coppola & Hugo Guinness & Jason Schwartzman. Il film è interpretato anche da Liev Schreiber (Ray Donovan di Showtime, SPOTLIGHT, ISLE OF DOGS), Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale, THE INVISIBLE MAN di Hulu), Edward Norton (BIRDMAN, THE GRAND BUDAPEST HOTEL), Willem Dafoe (THE LIGHTHOUSE, SPIDERMAN) , Lois Smith (LADY BIRD, Ray Donovan), Saoirse Ronan (PICCOLE DONNE, LADY BIRD), Christoph Waltz (DJANGO UNCHAINED, LA LEGGENDA DI TARZAN) Cécile de France (REBELS, DJANGO), Guillaume Gallienne (DOWN BY LOVE, CEZANNE ET MOI), Jason Schwartzman (RUSHMORE, MOONRISE KINGDDOM), (Tony Revolori (THE GRAND BUDAPEST HOTEL, SPIDER-MAN: HOMECOMING), Rupert Friend (Homeland, A SIMPLE FAVOR), Henry Winkler (Arrested Development, Barry), Bob Balaban ( ISLE OF DOGS, The Politician), Hippolyte Girardot (MAMA WEED, Inside) e Anjelica Huston (ISLE OF DOGS, LA FAMIGLIA ADDAMS) come narratore.
