Inside A Solitary Exhibition – l’arte è ancora così importante? il film di Vasilis Katsoupis con Dafoe

INSIDE
A Solitary Exhibition

Con
Willem Dafoe
Diretto da Vasilis Katsoupis Scritto da Ben Hopkins
Prodotto da
Giorgos Karnavas, Marcos Kantis, Dries Phlypo
Fotografia Steve Annis Consulenza artistica Leonardo Bigazzi

Link Veloci:

• La Scintilla Creativa
• Willem Dafoe nel ruolo di Nemo
• La scelta della collezione d’arte per il film
• Elenco delle opere presenti nel Film

Il film Inside racconta la storia di Nemo, un ladro d’arte che entra nell’attico di un collezionista a caccia di preziose opere d’arte. Quando entra, il sistema di sicurezza blocca tutto. E poi malfunzionamenti. È chiuso dentro.

All’inizio si aspetta che arrivi il suo complice, poi le guardie giurate o la polizia. O il proprietario. Ma non viene nessuno. Quindi spera e prega che venga una donna delle pulizie. Un inserviente. Chiunque. Ma non viene nessuno. E i giorni si allungano in settimane e mesi.

È rinchiuso in una prigione adornata con opere d’arte ricercate, strane, persino inquietanti: opere che brama e ammira, ma che ora sono, per lui, inutili. Invece, deve usare tutta la sua astuzia e invenzione per sopravvivere. Per entrare in tutti gli spazi chiusi per trovare tutto il cibo e il liquido di cui avrà bisogno.

L’attico di lusso – questo luogo di perfezione e aspirazione – è diventato una prigione. Un’isola deserta. Una camera di tortura. E poi un luogo di rivelazione.

LA SCINTILLA CREATIVA

il film Inside è un dramma di suspense psicologica di alto livello che segue Nemo (W. Dafoe), un ladro d’arte che rimane intrappolato in un lussuoso attico tecnologicamente sofisticato a New York City dopo il suo la rapina non va secondo i piani. Rinchiuso all’interno di questa opulenta casa adornata con squisite opere d’arte che brama, deve usare tutta la sua astuzia e invenzione per sopravvivere per mesi da solo.
La scintilla creativa per il film è arrivata al regista di Inside Vasilis Katsoupis nel 2010 quando stava girando il suo film documentario, My Friend Larry Gus, e si è ritrovato a soggiornare nell’appartamento di un amico a Lower Manhattan. Lo spazio era vasto, decorato con oggetti di design, mobili all’avanguardia e opere d’arte costose.

Girando per casa, non potevo fare a meno di interrogarmi sulla necessità dei prodotti di arte e design come simbolo del vivere contemporaneo in contraddizione con la sua necessità di – solo – vivere. Significato: se le necessità di base non sono soddisfatte, l’arte sarebbe ancora così importante? Cos’è l’arte senza il suo contesto? Forse è solo un “simbolo” – un’ombra della vita reale – a cui scegliamo di dare valore, a causa della nostra percezione sofisticata. Possiamo sfuggire a questa trappola di percezione alterata e testimoniare una verità oggettiva? Quale sarebbe la circostanza per innescare una tale fuga? La risposta potrebbe essere la natura redentrice dell’arte?

Mentre il regista Katsoupis continuava a meditare sull’idea, ripensò ai suoi studi post-laurea a Sheffield, in Inghilterra, e alle lunghe discussioni che aveva avuto con il suo professore, rinomato videoartista Breda Beban – nota per aver esplorato il concetto di arte nello spazio. “Grazie a lei, ho sviluppato un profondo interesse per l’arte contemporanea, il potere dell’estetica e l’attaccamento dei collezionisti alla loro arte“.

Il regista ha riflettuto se questo impeccabile spazio di vita sofisticata, con la sua automazione e i suoi sistemi intelligenti, potesse rivoltarsi contro la vita stessa.

“Inside è la storia di una casa e di un uomo, che condividono entrambi il ruolo principale”, spiega Katsoupis. “Uno sguardo ironico su come le nostre gabbie dorate possono trasformarsi in celle di prigione. Una visione brutale del lato oscuro del lusso. Una nota sulla percezione del mondo reale e su come cambia sotto stimoli inediti. E, ultimo ma non meno importante, un approccio cinematografico all’arte e all’abitare contemporaneo e al suo valore reale”.

Tornato ad Atene, Katsoupis ha discusso della presentazione-pitch con il produttore Giorgos Karnavas e hanno approfondito i diversi modi di raccontare questa storia. “Da un lato, il tono era così semplice e avvincente, ma dall’altro non avevamo la più pallida idea di come procedere“, afferma Karnavas. “Per non parlare del fatto che questo non è sicuramente il film che ti aspetteresti per un regista esordiente greco.”

La portata e il budget di cui il film avrebbe avuto bisogno all’inizio erano piuttosto spaventosi. Nella nostra tradizione cinematografica nazionale mancano i film di genere e, come produttori, non siamo mai stati al di fuori della nostra cerchia di festival d’essai. Tuttavia, con questa idea è successo qualcosa di veramente magico. Quando ho iniziato a lanciarlo, mi sono reso conto che tutti potevano entrare in risonanza con esso. E, naturalmente, tutti dicevano che trovare la persona giusta per interpretare Nemo avrebbe fatto la differenza“.

Karnavas iniziò a cercare uno scrittore internazionale e fu presto presentato a Ben Hopkins. “È stato un amore a prima vista per noi“, afferma Katsoupis. “Ben, come essere umano ma anche come artista, ha qualcosa di così generoso e accessibile che per noi è stato un gioco da ragazzi. Per fortuna abbiamo trovato i soldi per lo sviluppo molto rapidamente in modo da poterlo coinvolgere per sviluppare ulteriormente l’idea.”’

Ricorda Hopkins: “Ho fatto una telefonata su Skype con Vasilis, e mi ha raccontato la storia di un ragazzo rimasto intrappolato in un appartamento di lusso, e l’appartamento di lusso è diventato una prigione. Era come una storia di Robinson Crusoe bloccata nel mezzo di una città, che vive e muore nel lusso più completo. Ho pensato che fosse un’idea fantastica e un ottimo aggancio per un film”

Hopkins dice che quando si è tuffato per scrivere la prima bozza completa, ha iniziato a rendersi conto delle sfide insite nel far girare una storia attorno a un personaggio che non avrebbe avuto alcuna conversazione con altre persone.

“È un film quasi completamente privo di dialoghi in cui hai solo un attore, un attico e il suo rapporto con il luogo“, dice. “il film fortunatamente funziona su più livelli. La storia essenziale parla di un uomo che cerca di scappare da una prigione,

ma il film parla anche di cosa significhi scappare da una prigione. Cosa significa essere intrappolati in un corpo fisico? Cosa significa avere un’anima? Ed è possibile sfuggire al mondo fisico o ne siamo imprigionati?

CERCANDO NEMO

Man mano che il lavoro sulla sceneggiatura andava avanti, Katsoupis sapeva che con quello che era essenzialmente un film con una sola persona, la risorsa più importante sarebbe stata trovare l’attore protagonista giusto.

“Il film, in fondo, è una chiamata per l’attore principale verso un’esplorazione, un viaggio dentro se stessi al di là e al di sotto della sceneggiatura”, spiega Katsoupis. “Il ruolo principale era un’opera d’arte che doveva essere modellata principalmente dall’attore in collaborazione con me, un”installazione dal vivo’ – esposta come tutti gli altri elementi dell’attico – che interagiva con il tempo, la percezione, la linea sottile tra realtà, riprese e l’allegoria che il film vuole far emergere. Ecco perché era della massima importanza che la trama fosse intrecciata con la personalità dell’attore principale, le sue chimere, le sue paure e la sua percezione del mondo. L’attore principale – le sue espressioni, i movimenti del corpo, il linguaggio – è l’unico mezzo tra il significato del film e il pubblico. La casa è la co-protagonista, l’ambientazione per ospitare e valorizzare la lotta emotiva”.

Non sarebbe un ruolo facile da ricoprire, richiedendo uno specifico tipo di dedizione, sia fisica che mentale.

“Poiché non c’è dialogo verbale, il film invita il pubblico a inventare il personaggio insieme al progressi”, afferma Katsoupis. “Chi è lui? Cosa nasconde il suo passato? Quindi, l’attore principale doveva possedere tutti gli strumenti per far sì che quel dialogo avvenisse tra lui e il pubblico. È l’enigma che aspetta di essere risolto fino alla fine del film.”

Della sua prima impressione del progetto, W. Dafoe ricorda: “Quando ho letto la sceneggiatura, mi è sembrato molto particolare rispetto del fatto che in pratica si tratta di una persona che interagisce con una situazione senza molto testo, quindi l’impostazione è stata davvero interessante per me. Mi è piaciuto lavorare con Vasilis perché è una sua idea. È nella sua immaginazione. Ma poi mi ha mandando fuori come fossi il suo corpo, la sua persona, per vivere questa fantasia che ha.”

”Quello che ha fatto Willem è così importante se ci pensi“, dice Karnavas. “È un artista puro, una persona che abbraccia rischi artistici e che fa salti di fede. Il suo supporto fin dall’inizio è stato ciò che ci ha definito, ci ha dato coraggio e fiducia che stavamo realizzando qualcosa di importante e interessante. Ha reso possibile la realizzazione di questo film”.

Dafoe afferma di essere stato particolarmente attratto dalla nuova interpretazione del film su una premessa familiare. “I film sono più potenti per me quando non sono solo un’idea esotica, ma ispirano un modo diverso di guardare le cose. Inside si occupa di cose molto elementari su come sopravviviamo, di cosa abbiamo bisogno, come pensiamo, cosa ci dà piacere e come guardiamo alle nostre vite.”

Quando si è trattato di avvicinarsi al ruolo in gran parte muto, Dafoe l’ha trovata un’esperienza abbastanza naturale, forse aiutata dal fatto che si è spesso considerato un ballerino, piuttosto che un attore.

“Parli tutto il tempo ma parli da solo“, ride. “Stai anche parlando con gli oggetti. E quando dico “parlare”, intendo dire che stai interagendo. Qualcosa di semplice come versare un bicchiere d’acqua, nel contesto di alcune di queste cose, è un grande evento drammatico. C’è qualcosa di molto bello in questo perché ti permette di vedere le cose in un modo diverso e dare valore a queste piccole azioni nella tua vita. Ti rendi conto che la tua vita è fatta di queste relazioni con le cose”.

Il regista ha passato un anno a ricercare l’evoluzione architettonica e la semantica, cosa che secondo lui si è dimostrata fruttuosa quando ha iniziato a esplorare il progetto con lo scenografo Thorsten Sabel. “Thorsten ha condiviso l’entusiasmo, poiché è stata una sfida da sogno dal punto di vista del suo design di produzione”, ricorda Katsoupis. “Insieme, abbiamo trattato l’attico come una gigantesca gabbia per uccelli fatta di vetro e cemento, dove il capitalismo incontra il brutalismo. I materiali che abbiamo utilizzato erano minimi, freddi e grezzi, intensificando la natura “sgradita” della casa e aiutando le opere d’arte a risaltare“.

Traendo ispirazione dal *brutalismo, Sabel fu influenzato da due architetti in particolare. “Mi piace Oscar Niemeyer, che ha realizzato Brasilia [la capitale brasiliana], così come l’architetto tedesco Gottfried Böhm che ha realizzato un’architettura davvero bella, comprese le chiese brutaliste“, dice. “Quindi questa è stata una parte dell’ispirazione. Ma poiché l’appartamento doveva contenere tutta quest’arte, dovevamo anche lasciare degli spazi per mettere queste grandi opere d’arte in modo che tu possa davvero vederle. Quindi questo set era un misto di una grande galleria d’arte, un enorme appartamento e questa gabbia per uccelli in cemento che si trova sopra New York”

*Il brutalismo è una corrente architettonica, nata negli anni ’50 del Novecento in Inghilterra, vista come il superamento del Movimento Moderno in architettura.

Sabel ha anche utilizzato questo vasto spazio per ospitare vari punti della storia, inclusa la costruzione di un’enorme torre di mobili che Nemo crea nel tentativo di fuggire alla fine del film. “Doveva essere un avventura e ci è voluto del tempo per costruirlo e per arrampicarsi lassù, quindi dovevamo avere questa altezza “, dice.

Dafoe dice di aver fatto affidamento sull’appartamento – con una mente propria – per dirgli cosa fare in alcune occasioni. “Stai reagendo perché è un ambiente controllato“, dice. “Stavamo arrivando lì nell’oscurità e con la luce artificiale e questo fa una cosa pazzesca in cui piega davvero il tuo senso del tempo. Non ho mai saputo che ora fosse quando stavamo lavorando ed è stato interessante perché è un elemento molto importante nella storia. Anche se ci sono molte finestre, il tempo perde significato per questo personaggio dopo un po’ perché è intrappolato e ha pochissime speranze”

Il degrado della casa ha assunto una vita propria che ha portato a creare un ritmo naturale per Dafoe, con alcuni benefici sorprendenti. “Poiché stavamo girando in tempo reale, ti lasci andare“, ride Dafoe. “Ti fai crescere i capelli. Ti fai crescere le unghie. Ti sporchi. Non ti lavi i capelli. Forse perdi un po’ di peso nel processo di realizzazione del film perché sai di avere una sorta di aspettativa su dove vuoi finire, quindi la trasformazione è molto tangibile. Ogni giorno diventi più ruvido e ci sei più dentro con il tuo corpo, con il tuo aspetto e con il tuo odore.”

Mentre Dafoe riflette sull’esperienza del suo personaggio nel corso del film, dice che Nemo finisce per trasferirsi in alcuni luoghi creativi e spirituali forse inaspettati alla conclusione della storia.

“Il film è una meditazione su ciò di cui le persone hanno bisogno nella vita e su ciò che le persone cercano nella vita“, dice. “C’è un ragazzo come Nemo che viene portato fuori dalla sua vita normale ed è precipitato in una situazione in cui lentamente tutte le sue normali abitudini e i suoi piaceri regolari gli vengono portati via. È uno studio su ciò di cui le persone hanno bisogno e su cosa le fa andare avanti una volta che le cose a cui si aggrappano vengono portate via, dove va la loro mente, dove vanno le loro emozioni.”

CURARE LA COLLEZIONE

Per il regista di Inside, Vasilis Katsoupis, i suoi studi precedenti in arti visive significavano che possedeva una visione molto specifica di ciò che voleva portare sullo schermo, avendo una vasta conoscenza sia delle opere contemporanee che di quelle classiche. La collezione d’arte presente in tutto l’attico ha un ruolo fondamentale nella narrazione, Katsoupis sperava di esplorare l’evoluzione del rapporto del protagonista con l’arte all’interno di questa gabbia dorata, così come il valore di tali pezzi quando stai morendo di fame.

Il team creativo ha collaborato con il curatore d’arte italiano Leonardo Bigazzi per selezionare la collezione, un processo simile alla cura di una mostra virtuale. “La sfida di come realizzare questo obiettivo è stata enorme“, afferma il produttore Giorgos Karnavos. “Era un progetto nel progetto. E sapevamo davvero che dovevamo affrontarlo molto seriamente, in modo accademico, e puntare a qualcosa di spettacolare. Stavo esaminando il mercato e ricercando esempi precedenti, ma non sono riuscito a trovare progetti passati simili. Ma come spesso accade, la soluzione era proprio davanti a me, semplicemente non lo sapevo. Nel 2020 avevo collaborato con Leonardo Bigazzi a un bellissimo film intitolato Kala azar e conoscevo le sue capacità e il suo background, non mi sarei mai aspettato quello che era in grado di offrirci. Ha letto la sceneggiatura ed è tornato con una proposta estremamente ambiziosa. Ha suggerito di avvicinarci ad alcuni dei migliori artisti viventi al mondo e di renderli parte della cura di una mostra virtuale coerente”

La collezione è rappresentata da una vasta gamma di mediums diversi tra cui pittura, scultura, fotografia, disegni, installazioni e video, e si evolve dalla pittura figurativa a opere astratte e concettuali con qualità architettoniche. Le opere d’arte del film Inside sono tutte conosciute per essere in collezioni private piuttosto che opere ospitate nei musei, per supportare l’idea che questo collezionista potrebbe davvero possedere ogni pezzo.

Il sodalizio tra il direttore e il curatore di Inside si è rivelato subito proficuo. “In Katsoupis ho trovato qualcuno che ha saputo riconoscere il valore di quello che proponevo, il che è stato importantissimo”, racconta Bigazzi. “Avevo davvero bisogno di capire, attraverso di lui, cosa volesse con gli elementi e le opere d’arte che sono state selezionate. È stato molto speciale che ci siamo trovati a connetterci molto rapidamente con l’idea che si trattasse più di trovare opere che potessero risuonare e rafforzare alcuni aspetti della narrazione e la vulnerabilità del personaggio. Così abbiamo avviato un dialogo in cui proponevo costantemente immagini, possibilità e idee”

Il punto di partenza per Bigazzi è stato determinare come la collezione non solo stabilisse – ma anche costruisse – il carattere di questo collezionista invisibile, diventando essenzialmente un’estensione della sua personalità e passione.

“Ho iniziato pensando per immagine“, dice. “Quando ho letto del rifugio, ho subito pensato alla serie fotografica di rifugi di Joanna Piotrowska, in cui chiedeva ad amici o persone che conosceva di costruire rifugi nel proprio ambiente domestico con le loro cose.”

Dato il background artistico di Katsoupis, la coppia era anche entusiasta di incorporare nel set un cenno all’associazione personale del regista con la sua influente professoressa, l’artista serba Breda Beban. “Vasilis aveva davvero questo legame molto speciale con l’artista, quindi abbiamo selezionato una fotografia in cui Vasilis e la sua ragazza fanno effettivamente parte dell’immagine. Quindi c’è questo piccolo cameo nascosto nel film con questo fotografia in cucina.”

Mentre alcuni pezzi utilizzati nel film sono stati selezionati e replicati, altri sono stati commissionati appositamente per il film, tra cui un disegno di Francesco Clemente, intitolato Dopo e prima.

“Gli artisti sono stati incredibilmente generosi“, condivide Bigazzi. “Devo dire che il 95% degli artisti ha detto di sì subito quando ho proposto loro il progetto. Abbiamo dovuto affrontare la questione del tempo, ovviamente, perché le opere dovevano essere replicate nel tempo, e anche ogni artista affronta questo elemento in modo diverso. Così ad esempio alcuni artisti come Maurizio Cattelan ci hanno inviato opere dallo studio, altri erano una commissione diretta”.

Uno dei pezzi straordinari utilizzati nel film, proveniente direttamente dallo studio dell’artista, è The Moth Costume dell’artista kosovaro Petrit Halilaj. L’opera è stata originariamente sviluppata per la Biennale di Venezia nel 2017. “Una falena è un animale che si nasconde nella struttura dell’architettura della casa e attraverso questo atteggiamento trova il proprio modo di vivere“, spiega Bigazzi. ”Il fatto che Nemo sia intrappolato questa casa ha risuonato con alcune delle opere che riguardano questo in forme diverse. Quindi potrebbe essere l’idea di come la società ti mette in un posto e di come cerchi di nasconderti da quello, o di come trovi il tuo spazio all’interno.”

La sfida nell’impegnarsi con pezzi autentici, tuttavia, era che la fisicità della storia significava che la produzione non poteva garantire che sarebbero tornati in condizioni originali. “Dovevamo far capire all’artista il contesto in cui stavano dando il lavoro perché dovevamo avere il controllo completo dell’opera artistica all’interno della narrazione del film da come sarebbe apparsa a come sarebbe stata utilizzata“, dice Bigazzi. “Quindi c’era questa idea di potersi affidare completamente a una diversa forma d’arte, dall’arte contemporanea al cinema. Con ogni artista ho avuto un dialogo diverso e con ognuno di loro ho dovuto spiegare come l’opera veniva collocata, come sarebbe stata utilizzata e perché quest’opera piuttosto che un’altra“.

“Potresti voler fare qualcosa e trovare un terreno comune, ma realizzarlo davvero è la chiave assoluta“, osserva Katsoupis. “La sensazione di inclusione che abbiamo avuto con i nostri artisti e la chiara comprensione da parte loro del motivo per cui questo era un progetto importante da realizzare è stato ciò che ha fatto la differenza“.

E sebbene lo stesso personaggio Nemo non sia un artista, è chiaramente un personaggio con un’affinità per l’arte. “Attraverso questo processo, è spinto a sopravvivere creando cose“, spiega Dafoe. “Alcuni sono pratici e lui crea cose che lo aiutano a sopravvivere. Altre cose lo aiutano a sopravvivere spiritualmente, gli danno speranza e gli danno qualcosa che a volte lo diverte. In questo caso, fare arte, anche se non è un artista, ha qualcosa a che fare con la sua sopravvivenza”.

“L’idea era che non importa quanto sia difficile la situazione, il modo in cui Nemo tratta l’opera d’arte non è il modo in cui tratta un mobile o un piatto in cucina“, condivide Bigazzi. “L’arte ha una fisicità, di certo, ma è proprio questa l’idea di usarla solo quando non ha alternative. Quindi, mentre alcune delle opere vengono danneggiate in questa terribile situazione che affronta, fortunatamente, la sua affezione e questo livello di protezione che ha nei suoi confronti, è chiaro.”

Dafoe dice che per lui, la quantità di cura e attenzione prestata a questa collezione curata è stato uno dei tanti elementi che hanno reso il film un vero piacere su cui lavorare. “Ha contribuito a radicare la storia”, osserva. “Si capiva che le persone coinvolte in questo film sapevano qualcosa del mondo dell’arte e penso che Leonardo abbia fatto un ottimo lavoro“.

Il curatore afferma che i temi chiave dell’osservazione e dell’autoriflessione sono sempre stati al centro dell’attenzione durante tutto il processo, con diverse opere che raffigurano figure umane che alla fine diventano testimoni delle lotte di Nemo. “L’iconografia di alcuni dei dipinti figurativi si riferisce direttamente alle caratteristiche fisiche del nostro personaggio tormentato, mentre altre opere risuonano con il suo stato di essere intrappolato all’interno di un ecosistema creato dall’uomo“, condivide Bigazzi. “Immagini forti ed evocative, spesso con significati allegorici, amplificano il senso generale di disagio e sospensione nel tempo e nello spazio. Specifici lavori astratti e concettuali della collezione, con un sottile senso di ironia, diventano strumenti che supportano Nemo nella sua lotta per sopravvivere all’interno dell’attico.

Il film Inside è stato progettato per essere artisticamente stimolante,

per Katsoupis e Bigazzi era anche fondamentale che fosse accessibile al pubblico di tutto il mondo, indipendentemente dal fatto che sapessero molto – o assolutamente nulla – di arte.

Del sottotesto che attraversa il film, assicura Bigazzi, “Sia il pubblico generico che gli intenditori d’arte potranno tracciare il filo che lega le esperienze e la condizione psicologica del nostro protagonista ai diversi strati estetici e concettuali della collezione”.

E mentre Katsoupis riflette sul viaggio iniziato con quella prima scintilla di un’idea in un appartamento a New York City, dice: “Questa idea ha ossessionato il mio cervello dal 2010. E penso che questa storia abbia quell’intuizione nascosta, una filosofia più alta concetto che parla direttamente a una percezione della realtà che tutti portiamo, da qualche parte nel profondo.”

Il nucleo della collezione è costituito da una combinazione di famosi maestri dell’arte moderna, come Egon Schiele, e iconiche opere contemporanee di artisti blue-chip come Maurizio Cattelan, John Armleader e Francesco Clemente. La collezione si arricchisce di una serie di opere di artisti noti a metà carriera come Adrian Paci e Masbedo, e di una generazione più giovane che sta recentemente ricevendo importanti riconoscimenti internazionali come Petrit Halilaj, Alvaro Urbano, Maxwell Alexandre, David Horvitz, e Joanna Piotrowska. – Leonardo Bigazzi

Elenco delle Opere presenti nel Film:

**Le opere in grassetto sono state commissionate appositamente per il film Inside.

Maxwell Alexandre
Se eu fosse vocês olhava pra mim de novo (2018)
Courtesy the Artist and A Gentil Carioca

John Armleder
Untitled (1991)
Acrylic on canvas
250 × 170 cm
Courtesy the artist and MASSIMO DECARLO

John Armleder
Untitled (FS) (1998)
Twenty-two fluorescent tubes
42 × 325 × 160 cm
Courtesy the artist and MASSIMO DECARLO

Breda Beban:
I can’t make you love me (2003)
Two-screen film for gallery
Duration: two 8 min segments looped
(A.P. from an edition of 5 + 2 A.P.)
Courtesy Bosko Beban and Kalfayan Galleries (Athens-Thessaloniki)

Breda Beban:
Arte Vivo (No.8) (2008-2011)
Inkjet print mounted on aluminium
(edition of 5 + 2 a.p.)
54 x 75 cm
(A.P. from an edition of 5 + 2 A.P.)
Courtesy Bosko Beban and Kalfayan Galleries (Athens-Thessaloniki)

Maurizio Cattelan
Untitled (1999)
Acrylic on canvas
100 cm x 120 cm x 7,5 cm
Courtesy MASSIMO DECARLO and Maurizio Cattelan’s Archive

Maurizio Cattelan
Untitled (1999)
Electrostatic print installed on aluminum panel
258 × 192 cm
Courtesy MASSIMO DECARLO and Maurizio Cattelan’s Archive

Lynn Chadwick
Paper Hat (1966)
Bronze
© Estate of Lynn Chadwick (Bridgeman Copyright) / Private Collection /
Bridgeman Images

Julian Charrière and Julius von Bismarck
Objects in Mirror Might Be Closer Than They Appear (2016)
Courtesy the artists

Francesco Clemente
After and Before (2021)
Watercolour, 14′ x 20′

Jonathas de Andrade
O Peixe (2016)
Courtesy Galeria Vermelho, Galleria Continua and Alexander and Bonin.

Albrecht Fuchs
Kunstsammler mit Hund and Tochter (2021)
Photography

Petrit Halilaj and Shkurte Halilaj,
“Do you realise there is a rainbow even if it’s night!?” (coral) (2020)
Kilim carpet from Kosovo, flokati, polyester, chenille wire, steel
Courtesy the artist

Petrit Halilaj,
Bourgeois Hen (2012)
Screenprint
Courtesy the artist; ChertLüdde, Berlin, Kamel Mennour, Paris/London

David Horvitz
All the time that will come after this moment (2019)
Neon
22 × 540 cm
Courtesy the artist and ChertLüdde, Berlin

Cinthia Marcelle
FONTE 193
(2007) | Video | 5’40’’ in loop
Courtesy artist and Galeria Vermelho

Cinthia Marcelle and Tiago Mata Machado
Nau/Now
(2017) | video | 44’ in loop
Courtesy artists and Galeria Vermelho

MASBEDO (Nicolò Massazza & Iacopo Bedogni)
PROTOCOL 90/6
(2018)
Site Specific video installation with sound
Edition of 5
Commissioned by Manifesta12
Produced by In Between Art Film
Project Manager: Luca Bradamante
Editing and post production: Genny Petrotta
Puppet created by: Associazione Figli d’arte Cuticchio and animated by Mimmo Cuticchio

MASBEDO (Nicolò Massazza & Iacopo Bedogni)
Teorema d’Incompletezza (2008)
Inkjetprint on fine art paper
140x180cm
Edition of 7

Adrian Paci
“Centro di permanenza temporanea” (2007)
Courtesy the artist, Peter Kilchmann galley, Zurich, kaufmann repetto, Milano, New York

Amalia Pica
Memorial for Intersections #15 (2015)
Color coated steel and colored perspex
154 x 186 x 60 cm
Courtesy Amalia Pica and Herald St, London

Joanna Piotrowska, Untitled (2017)
Courtesy the artist and Madragoa. 27 x 21 cm. Silver gelatin print

Joanna Piotrowska, Untitled (2017)
Courtesy the artist and Dawid Radziszewski. 27 x 21 cm. Silver gelatin print

Joanna Piotrowska, Untitled (2016)
Courtesy the artist and Madragoa. 49.8 x 59.8 cm. Silver gelatin print

Joanna Piotrowska, Untitled (2017)
Courtesy the artist and Dawid Radziszewski. 59.8 x 49.8 cm. Silver gelatin print

Joanna Piotrowska, Untitled (2016)
Courtesy the artist and Madragoa 27 x 21 cm. Silver gelatin print

Joanna Piotrowska, Untitled (2016)
Courtesy the artist and Madragoa. 27 x 21 cm. Silver gelatin print

Joanna Piotrowska, Untitled (2015)
Courtesy the artist, Southard Reid and Thomas Zander.41 x 51cm. Silver gelatin print

Janis Rafa
Winter Came Early (2015)
2K single-channel video, stereo, 3min
Courtesy the artist

Stefanos Rokos
“Spring” (2021)
Courtesy OSDEETE

Egon Schiele
Self Portrait (1910)
Courtesy Christie’s Images Ltd & ARTOTHEK

Egon Schiele
Seated Woman in Underwear, Rear View (1917)
Courtesy Christie’s Images Ltd & ARTOTHEK

Egon Schiele
Reclining Nude in Green Stockings, (1914)
Courtesy Christie’s Images Ltd & ARTOTHEK

Egon Schiele
Cowering Man (Male Nude)
Courtesy Imagno, Gerhard Trumler & ARTOTHEK

Superstudio
Monumento Continuo- New New York (1969)
70×100 cm signed poster ed. 100
Courtesy Archivio Superstudio

Rayyane Tabet
Steel Rings, (2013)
Rolled engraved steel
15 parts, 80 x 10 x 0.6 cm each
Courtesy the artist and Sfeir Semler Gallery Beirut | Hamburg

Luc Tuymans
Isabel (2015)
Oil on canvas
144,9 x 124 cm
Courtesy David Zwirner

Luc Tuymans
Orange Red Brown (2015)
Oil on canvas
147,5 x 125 cm
Courtesy YK Family Art

Alvaro Urbano
Noches en los jardines de España (2020)
Courtesy the artist, ChertLüdde and Travesia Cuatro.